Nos ha tocado un año lleno de efemérides musicales. Todos los medios nos están recordando hasta la saciedad que han transcurrido 250 años desde el nacimiento de Mozart obviando o por lo menos no dedicándole tanto tiempo a otras tan importantes como que se cumplen los 200 años del nacimiento de Juan Crisóstomo Arriaga, o los 200 de la muerte de Vicente Martín i Soler, o el 90 aniversario de Dutilleux. En este 2006 también se celebra el centenario del nacimiento de Dmitri Shostakovich y como es obvio se han programado multitud de eventos. Las casas discográficas tampoco son ajenas. Por ejemplo la casa Brilliant Classics ha preparado una interesante cajita con 27 CDs y 1 DVD con las principales obras de este compositor: las Sinfonías y Sinfonías de Cámara a cargo de Rudolf Barshai, los Conciertos para piano, violín y cello, las Suites de Jazz y Ballets, los Cuartetos de cuerda a cargo del Cuarteto Rubio, un Quinteto y un Trio para Piano y unas Sonatas para violín, viola, cello y piano. Como veis, bastante completa aunque han quedado fuera las óperas. Si hubiesen incluido La nariz y Lady Macbeth de Mtsensk la edición sería perfecta.

Primera representación operística del Festival Mozart 2006 de A Coruña. En programa, La coronación de Poppea de Claudio Monteverdi, dirigida por el maestro Alberto Zedda. Trama interesante y entretenida, tanto que las poco más de 2 horas y media de representación pasan volando aunque con algunos momentos un poco planos.

Muy curiosa la escenografía de Jean Pierre Vergier quien traslada la acción sin excesivo esfuerzo al Nueva York del Art Decó pero disfrazando a las diosas Virtud, Amor y Fortuna como bailarinas de cabaret y al dios Mercurio en una especie de trapecista con botines alados (!).

Respecto al reparto, la Poppea de Marianna Pizzolato estuvo cargada de sensualidad, el Nerón de Agustín Prunell correcto aunque un poco ligero, el Séneca de Palatchi demasiado hierático, genial la Drusilla de Alessandra Marianelli, la mejor de toda la velada, Cecilia Díaz (Ottavia) puso los pelos de punta con su despedida de Roma, Chiara Chialli divertidísima pero algo histriónica en el último acto y por último el Ottone de Lo Monaco demasiado oscuro y su actuación demasiado forzada.

Por último comentar la sorprendente entrada de Mercurio anunciando a Séneca su próxima muerte, con aire despreocupado y un botellín de cerveza (!) en la mano.

El viernes pasado tuvo lugar el primer concierto del Festival Mozart 2006. Las obras en programa fueron las siguientes: La obertura Los esclavos felices de Juan Crisóstomo Arriaga, el Concierto nº 23 en la mayor para piano y orquesta KV 488 de Mozart con Grigory Sokolov al piano, la obertura Una cosa rara de Martín y Soler y por último la Sinfonía nº 40 en sol menor KV 550 de Mozart.

La verdad es que fue una velada bastante decepcionante ya que se esperaba algo más de Sokolov y nos tuvimos que conformar con una correcta interpretación en la que el Andante estuvo al borde de desmoronarse por utilizar un tiempo extremadamente lento y un mal acompañamiento por parte de la Sinfónica de Galicia. ¿Lo mejor de toda la velada? Las dos propinas de Grigory Sokolov.

El público se merece un comentario aparte puesto que parece que todo le vale o no se entera de nada. La nº 40 fue una de las interpretaciones más aburridas y mecánicas que haya escuchado en mi vida. Pues el público se hartó de aplaudir y por mi zona incluso se escuchaban comentarios del tipo “inconmensurable”, “inmejorable”, “bravo maestro”.

Esperemos que el concierto del día 26 de Mayo, con Zacharias como director y solista sea más satisfactorio. En el programa figuran las siguientes obras:

M. RAVEL
Valses nobles y sentimentales

W. A. MOZART
Concierto para piano y orquesta en si bemol mayor KV 238
Concierto para piano y orquesta en fa mayor KV 459

I. STRAVINSKI
Danses concertantes

Título del disco: “Messiah”
Compositor: George Frideric Händel
Director: Nikolaus Harnoncourt
Sello: Deutsche Harmonia Mundi
Formato: SACD híbrido multicanal (2) - DSD puro (?)
Fecha de la grabación: 17-21 diciembre 2004
Versiones comparadas: Hogwood (L’Oisseau-Lyre) y McCreesh (Archiv)

INTERPRETACIÓN

Esta es una interpretación del Mesías distinta a todas. Desde luego radicalmente opuesta a las acartonadas interpretaciones de la tradición romántica, con coros de cientos de cantantes y solistas de ópera. Pero lo excepcional no es eso, sino que también sea distinta a otras versiones que se sitúan en la mucho más reciente tradición historicista, como las de Hogwood y McCreesh, de la cual el director austríaco Nikolaus Harnoncourt es uno de los fundadores.

Nikolaus de la Fontaine-d’Harnoncourt-Unverzagt, descendiente de los Condes de Luxemburgo y de los Emperadores de Austria, sin ser un compositor es sin embargo un genio de la música, uno de los pocos que existen hoy en día.

Pero lo suyo no es solo inspiración, sino también estudio. Ha publicado un libro que os recomiendo mucho, y que se consigue en español en la Casa del Libro, titulado El Diálogo musical: reflexiones sobre Monteverdi, Bach y Mozart. En ese libro expone una tesis que ha sido su marca de fábrica en la interpretación del repertorio barroco y clásico, incluida la obra que hoy os comento: no dar por sentado que un criterio de interpretación (llámese instrumentación, codas, ornamenti, tempi, etc.) es válido sólo porque “siempre se ha hecho así”, que es lo que diría una mente conservadora. No, Harnoncourt va a las fuentes originales, estudia, emprende una verdadera búsqueda de datos que le permitan aproximarse al universo estilístico y sonoro de la época … y hala!!! de pronto nos sorprende con una versión de una obra archiconocida como el Mesías que escuchamos como si fuera la primera vez que lo hacemos.

Ese es el caso de esta versión. Harnoncourt explica en las notas que la interpretación tradicional de esta obra sufre por el hecho de haber sido convertida casi en un objeto de culto y veneración en Inglaterra desde la época de Händel. Es algo así como la pieza central de una religión nacional. El resultado es que a lo largo de los más de dos siglos que nos separan desde su creación se han acumulado -como la mugre sobre los cuadros- una serie de clichés interpretativos que se han convertido en una especie de rito sacro desprovisto de emoción; un rito que nada tiene que ver con la intención inicial del compositor o las prácticas interpretativas de la época de Händel. Por ello es tan importante arrancar esta obra de manos de los ingleses y someterla a una revisión completa, para lo cual Harnoncourt ha llegado incluso a contratar expertos grafólogos que examinen las partituras originales salidas de la mano de Händel y detecten inflexiones en cuanto a la intensidad de la palabras, etc.

El resultado es sorprendente. A dieferencia de las versiones de Hogwood y McCreesh, basadas ambas en la denominada versión del Foundling Hospital (1754), Harnoncourt no se ciñe a ninguna en particular. Sus motivos tiene. No obstante, de manera coincidente con la versión Foundling, que prescinde de los castrati, Harnoncourt no emplea un contratenor para las partes asignadas genéricamente a un “alto”, sino una mujer, la joven contralto sueca Anna Larsson, con una voz oscura y fascinante que es difícil de encontrar hoy en día.

No hay espacio aquí para comentar detalladamente la versión, pero os aseguro que si conocéis bien la obra os sorprenderá esta interpretación. A manera de resumen os digo lo más notable:

1.- La elección de los tempi, en términos generales mucho más reposados que otras versiones (escuchad el famoso Aleluya y alucinaréis), si bien en el coro Worthy is the Lamb que cierra la obra, el Amen fugado va bastante más rápido de lo usual (y menos mal ).

2.- La maravillosa sección de cuerdas que emplea Harnoncourt y que puntea toda la obra, cediendo protagonismo a los metales sólo al final.

3.- La importancia del fraseo, que se advierte desde el corte 2, con el énfasis que pone el tenor en cada palabra del “Confort ye”. En una obra donde la palabra es tan importante esto sin duda es fundamental.

4.- Los coros. El coro Arnold Schoenberg supera con creces a los ya de por sí excepcionales Gabrieli Consort de Paul McCreesh y al coro de voces masculinas de la Christ Church Cathedral en la versión Hogwood. Händel no empleó mujeres en el coro, al menos de la versión Foundling, sino niños sopranistas. Harnoncourt emplea mujeres, pero a diferencia de los Gabrieli Consort éstas tienen aquí un timbre aniñado, como de muchachos. Aparte de eso, los coros son absolutamente transparentes, de forma que se distinguen siempre las distintas cuerdas (sopranos, tenor, bajos).

5.- El marcado contraste dinámico en muchos pasajes orquestales, lo cual ya es una constante del maestro.

SONIDO

Esta versión fue grabada en vivo en la Musikvereinssaal de Viena, lo cual se advierte sobre todo en las breves pausas entre los sucesivos cortes. Pero no hay aplausos.

El sonido es excepcional, no en balde están involucrados los ingenieros de los famosos estudios Teldex de Berlín. Se trata de una toma sonora más bien próxima y acorde con el énfasis que Harnoncourt quiere dar a la clara percepción de las texturas instrumentales y vocales. Ello le resta a lo mejor cierta “majestad” a la versión, pero eso es justamente lo que Harnoncourt quiere. No se indica si los SACDs son DSD puros, pero apuesto a que sí, pues el detalle y resolución del sonido y la microdinámica es muy superior al otro SACD de la obra: la versión de Archiv. La versión multicanal funciona muy bien.

Mozart

Después de la lectura del libro de Bernd Feuchtner sobre la vida y obra de Dimitri Shostakovich me quedaron ganas de hacerme con una integral de sus sinfonías. La primera opción fue consultar La discoteca ideal de Música Clásica y leer las recomendaciones para estas obras pero en ella no se recomienda ningún ciclo en concreto así que decidí consultar el catálogo de Naxos. La búsqueda fue exitosa. En su catálogo disponen de un cofre de 11 CDS con las 15 sinfonías por Ladislav Slovak dirigiendo a la Sinfónica de la Radio Checoslovaca por unos 50€. Ufffff!, director no muy conocido, la orquesta lo mismo, habrá que pedir consejo a los amigos porque ésta integral no me convence. Pues mira, tienes la de Rudolf Barshai en Brilliant Classics por menos de 40€ que está muy bien y se llevó el galardón a mejor grabación orquestal de música del siglo XX en los Cannes Classical Awards del 2003. Decidido, así que me voy al CI por si la tienen, sabiendo casi de antemano que no la van a tener porque su sección de clásica deja bastante que desear aunque siempre están dispuestos a pedirte lo que haga falta entregándolo en pocos días. Busco y rebusco en las estanterías donde tienen los Brilliant pero nada, que no aparece. Decido hacer el pedido directamente a Diverdi a través de Internet y comprobar que tal funcionan. La página funciona bastante bien aunque no me gusta nada nada que guarden el número de mi tarjeta de crédito. En tres días tengo la cajita con los 11 CDS y algunos más que he pedido como por ejemplo una 9ª de Beethoven por Furtwangler en el sello Archipel que salió comentada en la revista Scherzo de Febrero de 2005.

Como otras veces, dejo los discos durmiendo el sueño de los justos durante un mes hasta que me decido a escucharlos.

Esta integral se grabó en un período de ocho años y no estaba muy claro si son grabaciones en estudio o en directo. La solución la encontré en una página web en la que se indica que estos mismos discos están a la venta de forma separada en el sello Regis, y en el libreto de la séptima se especifica que se trata de una grabación en vivo. Como todos los discos tienen la misma impronta sonora cabe pensar que todos ellos son grabaciones en directo.

La primera Sinfonía fue compuesta por un jovencísimo Shostakovich (19 años) estudiante en el Conservatorio de Petrogrado como ejercicio de graduación. Al poco tiempo ya era conocida mundialmente al ser representada por batutas tan importantes como Bruno Walter, Toscanini o Leopold Stokovski, lo que llevó a Shostakovich a convertirse en el principal compositor de la URSS.

En 1927 terminó su Segunda Sinfonía, subtitulada “A Octubre”, y la Tercera titulada “Primero de Mayo” dos años más tarde. En ambas sinfonías Shostakovich se vió obligado a mantener un equilibrio entre un lenguaje musical modernista y las exigencias de la dictadura soviética hacia “su mejor compositor”. Curiosamente, la tercera es una sinfonía oscura que representa el desprecio hacia la represión estalinista.

Su vida fue un constante enfrentamiento con las autoridades rusas. El primero de ellos tuvo lugar dos años después del estreno de su ópera Lady Macbeth de Mtsensk, basada en el libro del mismo nombre escrito por Nikolai Leskov, tras la asistencia de Stalin a una de las representaciones. Dos días después, el diario Pravda publicó un durísimo editorial contra Shostakovich y su obra a la que se tachaba de burguesa y que suponía un peligro para toda la comunidad artística rusa.

Concluyo porque comienzo a perderme por los cerros de Úbeda. Me queda por escuchar el último cd con la decimoquinta pero me voy a atrever a emitir un juicio sobre la integral y es que se trata de un ciclo B(ueno), B(onito) y B(arato). Para no dejarla escapar.

Actualización: Nos comenta Thelonious Sphere en el foro que se puede comprar esta caja en Zweitausendeins por 22,99€.

Este verano está lleno de novedades discográficas sumamente interesantes. En primer lugar tenemos la primera grabación de Furtwängler en stereo en el sello Tahra. La caja de tres cds [TAHRA FURT 1095-1097] contiene la Sinfonía Nº8 de Schubert y Der Freischütz de C.M. von Weber. Esta grabación nos la han vendido como muy interesante ya que por fin podríamos escuchar con mayor claridad el trabajo de la orquesta pero su escucha me ha decepcionado. No existe efecto stereo en la grabación de la sinfonía de Schubert y en Der Freischütz la orquesta está tan en segundo plano, con tantos ruidos escénicos que no se aprecia. Una pena aunque la interpretación es interesante.

Vuelven a distribuirse en España dos sellos dedicados al repertorio contemporáneo: NMC y New World Records. El primero está dedicado a la música contemporánea británica en la que se ven representados compositores como Birtwistle, Dillon, Britten y Tippett. Por otra parte NWR está enfocado en la música norteamericana y en él podremos escuchar obras de compositores como Morton Feldman, George Crumb, Charles Ives y los más conocidos Copland, Barber y Gershwin.

Naxos, por su parte presenta dos colecciones una de Clásicos Americanos y otra de música americana judía.

Por otra parte, leo en el Boletín de información discográfica de Diverdi que el sello Tahra presentará este otoño un estuche titulado Knapperrtsbusch In Memoriam. Contendrá 4 cds, libreto con 60 páginas, fotografías inéditas y un CD-ROM con su discografía, lista de conciertos y la biografía. Las obras grabadas serán: Cuarto Concierto para Piano de Beethoven con Backhaus y la Filarmónica de Viena y la Quinta Sinfonía con la Filarmónica de Berlín. El segundo de los discos recogerá la Cuarta Sinfonía de Brahms, ensayos de la Octava de Bruckner y una entrevista con el director. En el tercero de los discos podremos escuchar unos fragmentos de Las bodas de Fígaro en La Haya con Maria Reining cerrando con una selección de Parsifal en Bayreuth con el cuarto de los discos.

Confieso que desde hace dos o tres semanas escucho muy poca música, mas bien me dedico a oirla. La razón es que le he dedicado un poco más de tiempo a la lectura y de momento ya han caido dos libros. El primero de ellos se titula Shostakovich. El arte amordazado por la autoridad, de Bernd Feuchtner en la editorial Turner. A través de sus páginas, se explica la evolución musical de Shostakovich y su relación con las autoridades soviéticas. El segundo es Schoenberg. Vida, contexto, obra. de H.H. Stuckenschmidt en Alianza Música. Ahora mismo estoy leyendo la biografía de Victoria de los Angeles. Victoria de los Angeles. Memorias de viva voz escrita por el periodista y crítico musical Jaume Comellas para la editorial Península.

Lo único que he escuchado con atención es una caja de 4 CDs editada por Brilliant Classics (10€), con licencia de Ensayo, que contiene toda la obra pianística de Federico Mompou. La grabación se realizo en el año 1974 en el Casino de l’Alianca del Poblenou con el propio Federico Mompou al piano con 81 años!!!!!!.

El primero de los cds contiene la obra Música Callada que en palabras del propio Mompou “Esta música es callada porque su audición es interna. Contención y reserva. Su emoción es secreta y solamente toma forma sonora en sus resonancias bajo la bóveda fría de nuestra soledad. No se le pide llegar más allá de unos milímetros en el espacio, pero sí la misión de penetrar en las grandes profundidades de nuestra alma”. Esta obra esta dividida en cuatro cuadernos con 28 piezas. En el completo librillo que se incluye, se explica el significado de todas las obras, que mensaje nos quería transmitir en todo momento, las aportaciones que realizó al mundo pianístico. Muy interesantes también las breves notas sobre la teoría de la sonoridad del piano en Mompou. En definitiva, un disco muy recomendable.

El pianista austríaco Artur Schnabel (1882-1951) representó tres veces el ciclo completo de sonatas para piano de Beethoven. La primera vez fue en Berlín, en 1927, para conmemorar el centenario de la muerte del compositor. El ciclo se volvió a repetir en 1933 en la misma ciudad pero una vez terminado y tras el alzamiento de Hitler, el pianista decidió abandonar Alemania para no volver nunca más. La tercera representación tuvo lugar en Londres entre 1933 y 1934 y esta vez fueron registradas por la Beethoven Sonata Society y HMV en discos de 12½ y 78 rpm. Ahora, estas grabaciones están libres de derechos y Naxos ha decidido reeditarlas en CD tras un minucioso proceso de restauración. Cada uno de los 9 CDs que forman el ciclo completo de 32 Sonatas tendrá un precio de 5,99€.

“The notes I handle no better than many pianists. But the pauses between the notes – that is where the art resides." (Artur Schnabel)

Compositor: J.S.Bach
Director: Jos van Veldhoven
Sello: Channel Classics
Fomato: SACD híbrido

Versiones comparables: Suzuki, BIS (1998)

Os comento la última joya que he adquirido, que es además un título muy oportuno para estas fechas: La Pasión según San Juan, una de las dos que sobreviven de Bach.

Calidad de la interpretación

Lo primero es deciros que tras haber escuchado muchas veces La Pasión según San Juan, tanto en vivo como en grabaciones varias, ésta es una versión que me ha emocionado. Su enfoque es radicalmente distinto al de cualquier otra, y en mi opinión llega al alma de la obra y de la música de Bach como ninguna.

Lo primero que hay que destacar es que los coros están a cargo de los mismos cantantes que interpretan los números solistas (soprano, tenor, alto, etc.) reforzados apenas por un número igual de “ripienistas”. Como mucho unos ocho efectivos cantan los grandes números polifónicos y corales de la Pasión. El resultado es de una extraordinaria transparencia, de forma que se distinguen siempre las voces y las líneas de canto, y se mezclan perfectamente con los instrumentos. De hecho el efecto es como si las voces fueran un instrumento más, y no una gran masa coral borrosa sobre la cual éstos se superpusieran.

Con esto el director decide tomar parte en una vieja polémica que tiene ya varios años sobre la forma como se interpretaban las obras corales de Bach en vida del compositor. Una polémica tan agria como las que sacuden este foro de vez en cuando sobre la igualdad de las fuentes y las pruebas a ciegas Very Happy

La decisión minimalista en cuanto al número de efectivos vocales se ve replicada por un número igualmente magro de efectivos instrumentales que contribuye al mencionado caracter “diafano” de la interpretación y a un balance equilibrado entre voces e instrumentos.

Todas estas decisiones son rigurosamente fundamentadas en la investigación histórica y además muy apropiadas teniendo en cuenta que van Veldhoven ha elegido la minimalista primera versión de la obra, de 1724, en la que llama la atención la ausencia de flautas, tan presentes en otras versiones de la Pasión. Podéis fijaros en particular cómo en el coro que abre la obra la ausencia de flautas hace que destaque el acompañamiento de los oboes, lo cual imprime un carácter particular a esta versión.

Otra cosa notable de esta versión es la variedad del bajo continuo, que es la línea instrumental continua que sostiene todo el entramado musical de la obra. Cuando el evangelista interviene, el bajo continuo está formado por el clave y el cello, mientas que las intervenciones de Jesús van acompañadas del órgano y la tiorba. El resultado es de una gran originalidad y fuerza expresiva.

Ahora no tengo tiempo para comentaros algunos momentos notables de esta versión, pero sí os digo que me ha llegado hondo, por su caracter sobrio e intimista, por la calidad de voces e interpretaciones instrumentales, por su buen sonido … Con respecto a los interpretes, vocales e instrumentales, de la Sociedad Bach de los Países Bajos, hay que decir que no sólo son músicos excepcionales, sino que han “mamado” esta música desde niños. En estos países la gente vive la música de Bach mucho más que en los países mediterráneos.

Finalmente debo decir que la presentación es lo más lujoso que he visto hasta ahora en digital. Los dos SACDs vienen en un estuche de lujo, con un libreto lleno de reproducciones a color de obras de arte relacionadas con la Pasióny unas estupendas notas.

Calidad de sonido

No tengo palabras para describir la calidad del sonido de la capa SACD de este album. La toma sonora es muy próxima, muy en línea con el caracter austero, minimalista e intimista de la interpretación; y el sonido es real, natural y diafano. Al pasar a la capa CD las voces suenan desafinadas y huecas.

En resumen:

Interpretación: a partir de ahora mi versión de referencia de esta obra.
Sonido: de demostración.

Mozart

Acabo de recibir el boletín diario de Mundo Clásico y en él se incluye un enlace a la reciente entrevista que se le realizó a Vivica Genaux con motivo de su visita a Santiago de Chile para representar La Cenerentola. Os dejo el enlace por si os interesa. Leer entrevista